ENSEMBLE PODCAST

ENSEMBLE 013 - Noémi Büchi

Thu, 04 May 2023 21:00:00 +0000

Présentation du podcast par l’artiste:

“L’art, directement ou indirectement, est l’expression d’un souci métaphysique conscient ou inconscient, et c’est ce qui le rend à la fois précieux et dépréciable, indispensable et superflu. Son contenu est dans ce sens inclassable — alors que dans le monde d’aujourd’hui tout est classé, évalué et noté. Nous vivons dans des sociétés paradoxales, d’anxiété, de forces occultes et en même temps d’ingéniosité et d’éclats esthétiques. Parallèlement aux mouvements sociétaires qui refusent ou remettent en question les modèles classiques, comme ceux des genres, du patriarcat et des catégories sociales, l’art aujourd’hui se retire des idées normatives et se nourrit d’une nouvelle fraîcheur rationnelle et morale.

L’influence subtile de ces transformations sociétaires engage la recherche musicale contemporaine vers une dissolution de modèles fixes, tout en s’inspirant de ces derniers. La beauté et la force des idées nouvelles sont d’utiliser la richesse des possibilités et en même temps de les fuir. En amplifiant le réel par des œuvres et une activité non-utilitaire, la musique nous le fait, non pas comprendre, mais toucher du doigt. Elle est l’expression profonde du mystère qui définit notre condition humaine et non pas une marchandise monnayable, dans le sens du monde de l’évaluation et de la classification. Les morceaux et les extraits d’interviews choisis pour ce podcast sont le reflet de ce monde paradoxal à la fois inquiétant et euphorisant. Ils sont l'écho de la densité du monde avec sa violence, sa déliquescence, sa fragilité, mais aussi sa puissance, son ingéniosité et sa beauté. Le dépassement des genres ainsi que la réappropriation d’éléments hétérogènes issus de la musique classique, du jazz, de la musique de films, de la musique folklorique, rappellent l’épaisseur complexe du monde par des réminiscences musicales appartenant à la mémoire collective qui réveillent d’étranges connexions. Univers musical qui effleure le réel à l’état brut.”

Présentation de l’artiste :

Noémi Büchi est une compositrice et artiste sonore franco-suisse qui crée un maximalisme électronique et symphonique. Sa musique se définit par une synthèse délicate de rythmes texturaux et d'abstraction électroacoustique et orchestrale. Elle explore le potentiel de la consonance et de la dissonance, oppose la physicalité rythmique à la perturbation et souligne les irrégularités, créant une expérience d'écoute expansive marquée par le détail et l’élévation. Après une formation classique en piano et en composition, elle a suivi des études de composition électroacoustique, de musicologie et de littérature. Fortement influencée par la musique romantique et impressionniste, elle la réinvente à travers une approche contemporaine. En 2022, le label -OUS Records publiera son premier album ‚Matter‘ et son prélude ‚Hyle‘, ainsi que le premier album de Musique Infinie, une collaboration entre Noémi Büchi et le compositeur et artiste d'installation italo-suisse Feldermelder.

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ENSEMBLE 012 - Emmanuelle Parrenin

Tue, 07 Mar 2023 22:00:00 +0000

“La maison intérieure, c'est une représentation de notre monde intérieur. C’est un réceptacle, un refuge, un lieu sûr qui n'a besoin ni de fenêtres, ni de murs, ni de portes. Un lieu où s’abriter pour garder son intégrité face et au milieu des injonctions de ce monde. C’est aussi un espace qui vibre, qui résonne, et qui va chercher ce qui sait en nous.

La résonance de ma maison d’enfance m’a profondément marquée, et est inscrite depuis toujours en moi. J’entendais le quatuor à cordes de mon père répéter inlassablement toute la journée. À travers l'interprétation et l'énergie insufflée par les musiciens, je pouvais percevoir les intentions et l’humeur générale, et aussi les notes, les phrasés en couleur par synesthésie. Cela provoquait en moi un émerveillement constant.

Les épreuves de la vie m’ont amené à pratiquer le soin, l'accompagnement et l'écoute, à percevoir comment résonne la maison de l'autre, à entrer dans sa résonance comme on rentre dans la danse. Avec mes instruments, je me mets sur la même fréquence pour amplifier les voix, évaluer s’il faut faire le ménage, aider à mettre en vibration ce qui demande à voir le jour et à prendre son élan. Cette pratique m’a progressivement amené à créer mon propre outil de musicothérapie : la maïeuphonie*.

*démarche thérapeutique inventée par Emmanuelle Parrenin, permettant d’accoucher de toutes les voix qui nous habitent et d’aller chercher en soi celles qui n’ont jamais eu droit à la parole.

Présentation de l’artiste :

Emmanuelle Parrenin a toujours été une collecteuse de sons : elle apprend la musique de façon clandestine et instinctive en reproduisant sur un piano les mélodies qu’elle entend s’échapper des différents salons de répétition de la maison familiale, où la musique résonne de partout : son père dirige le Quatuor Parrenin, et sa mère est professeure de harpe.

Dans les années 70, elle poursuit cette relation buissonnière à la musique et aux sons en partant sur les routes, en France et au Canada, pour collecter, enregistreur audio à l’épaule, des airs et des chants traditionnels. Elle poursuit son exploration des sonorités du passé en redécouvrant des instruments alors tombés dans l’oubli : l’épinette, la vielle et plus tard la harpe, qu’elle apprend en autodidacte. Elle contribue ainsi à l’émergence du mouvement folk en France.

En 1978, elle sort Maison rose, son premier album solo, qui joue de toutes les frontières et de tous les styles, et qui constitue un tournant dans son parcours musical et artistique. Il fait la synthèse de dix ans de parcours folk et d’exploration des sonorités traditionnelles. Elle collabore alors avec les frères Baschet, Jacques Rémus et Bruno Menny (élève de Xénakis).

En 1990, suite à un grave accident, elle devient sourde. La médecine moderne étant impuissante, elle guérit en rééduquant ses oreilles par les sons de sa voix et la résonance de ses instruments. A partir de cette expérience, elle se tourne vers les musiques de guérison et la musicothérapie et crée la Maïeuphonie, qu’elle exerce pendant quinze ans dans des instituts et des hôpitaux psychiatriques pour enfants et enseigne régulièrement au Centre International de Musicothérapie.

Les années 2000 marquent le retour à la musique expérimentale et à la chanson. Elle rencontre de nombreux musicien.ne.s autour du collectif-maison de disques les Disques Bien, avec lesquels en 2011, trente ans après Maison rose, elle enregistre Maison cube. A partir de là, elle rencontre les musiques électroniques et collabore avec des artistes comme Etienne Jaumet, Vincent Segal, Pierre Bastien, Tomoko Sauvage, Didier Petit, ou encore Zombie Zombie.

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ENSEMBLE 011 - Aho Ssan

Tue, 27 Dec 2022 21:00:00 +0000

"La temporalité prend racine partout : dans nos verbes, nos sentiments, les objets du quotidien. Elle est tout autour de nous lorsqu’on y prête attention. Beaucoup pensent que le temps est notre ennemi, lorsqu'on lui accorde trop d’importance.

J’aurais préféré ne pas donner de nom à cette création, mais j’ai décidé de l’appeler « hors temps ». Ce mix vise à nous éloigner de l’emprise du temps, ressentir un nouvel espace mental et questionner ses acquis. La musique est un outil fondamental pour expérimenter différents états à venir : état méditatif, transe auditive, espace d’évasion… tant de noms, tant de formes.

Depuis ma première expérience ‘hors temps’, j’essaye inlassablement d’y revenir. Je me rappelle encore au lycée écouter “I Wonder” de Kanye West dans ma chambre et être propulsé dans une tornade d’émotions totalement inconnues. S’est-il passé une seconde, une minute ou peut-être une heure ? Puis de nouveau avec “Getting There” de Flying Lotus, la photographie de Khalil Joseph, les mouvements de Storyboard P, la voix de Niki Randa. Comment est-ce possible ? La dernière œuvre qui m’a propulsé hors temps, c’est le film “Elephant still sitting”. Incroyable expérience de plus de 4h réalisée par Ho Bu, élève de Béla Tarr, un autre réalisateur qui tente d’effacer la temporalité. Les destins entrecroisés et liens complexes entre différents personnages qui y sont développés, sont des thèmes qui se retrouvent également dans mon travail. Ce podcast est dédicacé à Ho Bu."

Présentation de l’artiste :

Aho Ssan est le nom d'artiste de Niamké Désiré, basé à Paris. Après des études de graphisme et de cinéma, il commence à composer de la musique électronique et à créer ses propres instruments numériques. Peu de temps après, il remporte le prix de la télévision de la Fondation France pour sa bande originale du film De Ingha Mago en 2015.

En 2020, Aho Ssan sort son premier album Simulacrum. Basé sur les concepts développés par Jean Baudrillard, il navigue à travers les notions d'inclusivité et d'égalité dans la société, par rapport à sa propre expérience de grandir noir en France. En 2022, il sort un album collaboratif Limen avec l'artiste KMRU et rejoint la plateforme d'artistes SHAPE+. Son prochain album solo Rhizomes, sortira sur le label Other People de Nicolas Jaar.

Aho Ssan a également travaillé sur plusieurs projets liés à l’IRCAM et a été présenté dans diverses institutions à travers l'Europe et les États-Unis telle que le Lincoln Center (New York), La Maison de la Radio (Paris), CTM (Berlin), MACBA (Barcelone), Muziekgebouw (Amsterdam) et la Philharmonie de Cracovie (Cracovie). Sa musique a été acclamée par différents médias comme NPR, Pitchfork, Resident Advisor, Libération ou encore les Inrockuptibles.

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L’intensité continue des crises environnementales, sociales, politiques et économiques ré-interrogent nos manières de partager et d’être ensemble. Dans le contexte sanitaire actuel et à un moment où il est particulièrement important de faire émerger de nouveaux récits et futurs possibles, maintenant festival propose un nouveau format, un espace pour que les artistes puissent exprimer autre chose de ce qu'ils vivent aujourd’hui à travers une série de podcasts musicaux d’une heure.

Avec ensemble, les artistes posent un regard sur l’état du monde et nous parlent des mutations de nos sociétés contemporaines. Telle une collection, cet ensemble de créations sonores nous invite à l'écoute et au partage, contribue à la construction d'un référentiel commun et nourrit de nouveaux imaginaires collectifs.

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ENSEMBLE 010 - Marina Herlop

Tue, 21 Jun 2022 19:10:00 +0000

“La nature de notre époque actuelle, amplifiée par les réseaux sociaux et la culture pop, a façonné un concept de l'artiste en tant que gagnant ou idole. Pour se légitimer, les musicien.nes sont exhortés à suivre les ‘canons de la célébrité’ : avoir une image omniprésente, faire de la musique tape-à-l’oeil, être charismatique et avoir du succès. Le processus créatif est souvent considéré comme mystique et associé à des concepts vagues tels que ‘l'inspiration’, le ‘talent’, ‘l'expression’ ou la ‘liberté’, de sorte que la musique semble être créée comme par magie, de manière spontanée.

En réaction à ce phénomène, les extraits d'interviews de ce podcast viennent nous rappeler que le métier de musicien.ne relève encore, pour beaucoup d'entre nous, d’une profonde dévotion. L'accent n'est pas mis sur le sujet mais sur l'objet sonore qu'il génère, à travers un dévouement constant, une recherche passionnée et persévérante, souvent dans la solitude, où la frustration, l’échec et l’aliénation prennent place. Le compositeur.trice ou l'interprète n'est rien d'autre qu'un simple canal d'expression de quelque chose de beaucoup plus grand que sa propre personne.

Parallèlement, les morceaux choisis résonnent aussi avec cette idée. Cette musique suscite admiration et intérêt justement parce qu'elle ne ressemble pas à une quête désespérée d'attention, mais à une belle conséquence de cet engagement avec une pureté qui vient d'un ordre supérieur. La popularité ou la circonstance dans laquelle l'artiste vit est un concept absurde comparé à cet état intérieur dans lequel il peut entrer lorsqu'il fait de la musique.”

Marina Herlop:

Compositrice, chanteuse et pianiste formée au conservatoire, Marina Herlop a commencé sa carrière en donnant une touche contemporaine à des compositions de Debussy et de Chopin, tout en tirant son chapeau aux canons de l’ère romantique.

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ENSEMBLE 009 - Sofie Birch

Tue, 24 May 2022 19:10:00 +0000

Sofie Birch est présentée avec le soutien de SHAPE, plateforme cofinancée par le programme Europe Créative de l’Union Européenne.

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ENSEMBLE 008 - Jiska Huizing & Rudi Valdersnes

Tue, 01 Feb 2022 21:10:00 +0000

Présentation du podcast par l’artiste:

« Notre environnement extérieur est soudainement revenu au premier plan à cause de Covid-19. Cela nous a obligés à porter notre attention sur cet environnement proche ainsi que sur notre propre corps. Pour cette raison, il y a eu un renouveau d'appréciation pour cette nature environnante qui est à notre disposition et, espérons-le, cette estime et cette attention bienveillante continueront de s’étendre alors que le monde s'ouvrira. Le podcast se concentre sur une sélection de morceaux qui montrent différentes manières de porter une attention particulière à un environnement ou à un lieu. Par exemple, à travers le temps passé dans un certain endroit pour en capter l’essence sonore, ou à travers la façon dont la musique donne une voix à un lieu ou à un paysage, dévoile ce qui était caché et lui permet de prendre toute son envergure. Tous les morceaux ont été produits en Norvège et, ensemble, elles offrent une vue kaléidoscopique des différents paysages et lieux de ce pays, et de la présence bienveillante que les humains peuvent avoir dans notre environnement. »

Présentation de l’artiste :

Jiska Huizing (NL/NO) est une artiste, musicienne et DJ basée à Oslo. Rudi Valdersnes (NO) est musicien, DJ et producteur basé à Bergen, Norvège. Ensemble, ils font de la musique de club en marge du dancefloor. Leur musique est ludique et ancrée dans l'organique, basée sur l'improvisation, et souvent construite avec des rythmes et des sons provenant des instruments percussifs fait maison de Valdersnes et des field recordings de Huizing. Avec Julie Silset, Huizing et Valdersnes dirigent également le label Ideophone Records.

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ENSEMBLE 007 - Morita Vargas

Tue, 04 Jan 2022 21:10:00 +0000

Présentation du podcast par l’artiste:

« la musique du silence, la sieste, ce qui se révèle quand il n'y a aucun bruit, l'écoute active de la nature. L'étape entre l’éveil attentif jusqu'à l'entrée dans le sommeil profond. Tout commence sur terre, au moment où la nuit commence à tomber, nous sommes isolés et notre seul lien est les crapauds, leur chant nous plonge dans un rêve, ce sont des mantras qui nous détachent de la réalité pour entreprendre une aventure intérieure. Les paysages de ce rêve, parsemé d'îles, avec sur chacune une émotion et un navire chargé de sonorités. L'eau parfois agitée, parfois calme, le clair de lune se reflétant dans les vagues, la nuit solitaire et au-dessus des étoiles qui voient tout. L'interruption de la réalité coupe parfois le rêve, des sonorités qui détournent le rêve ou s'intègrent dans l'histoire. Le lever du soleil, la chaleur sur le corps et la lumière directe sur le visage, un bain chaud sur le corps humide. L'arrivée à la côte, un voyage pour connaître les marges et les bords de soi, les limites et les surfaces de notre intérieur, nos propres mers et nos propres côtes. »

Présentation de l’artiste :

Morita Vargas est une productrice, chanteuse et interprète argentine de musique électronique expérimentale. Elle explore des paysages sonores et des paroles fantastiques avec le non-verbal. Elle travaille avec des collages de sons, créant des atmosphères riches en émotions. Elle a sorti deux albums, "8" (Hidden Harmony Recordings, Estonie) et "Mandragora" (Autogenesis, Allemagne).

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ENSEMBLE 006 - SIMO CELL

Tue, 07 Dec 2021 21:10:00 +0000

Présentation du podcast par l’artiste:

« Je rêve énormément. Ou plutôt, je me souviens de beaucoup de mes rêves, puisque l'on rêve tous. C'est là, en moi, très fort et très présent depuis ma petite enfance. Rêves imbriqués, lucides ou prémonitoires, les rêves sont un mode de perception à part entière. Ils sont malheureusement souvent perçus comme une pure affabulation de l'esprit ou un mirage. Pourtant, rêver c'est se fixer une cap, se forger une vision.

Le rêve est un pouvoir, un sens que l'on peut travailler et développer. Au-delà de mes expériences personnelles, je questionne le rôle et la fonction du rêve dans notre monde. Les utopies et les fictions sont des outils indispensables qui guident le collectif.

Quelle trajectoire est suffisamment désirable pour que je la rêve ? Est ce qu'on rêve encore l'avenir ? Individuellement, collectivement ?

Ma voix est accompagnée d'une sélection de morceaux avec des noms évocateurs, qui rappellent le rêve. »

Présentation de l’artiste :

Avec des sorties sur Livity Sound, Timedance ou Wisdom Teeth, on pourrait croire, au premier regard, que Simo Cell est originaire de Bristol. Cependant, le producteur, parisien d’adoption, est aussi très impliqué au sein de la scène française. Il travaille avec des labels tels que BFDM ou Fragil Musique et collabore également avec beaucoup d’artistes locaux tels que : Bambounou ou Low Jack. Au-delà de sa carrière internationale, Simon accorde beaucoup d’importance à sa scène locale et consacre une partie de son temps à partager ses connaissances et son expérience avec des producteurs plus jeunes au travers de nombreux ateliers et masterclasses dans le monde entier. Mixant depuis plus d’une décennie, Simo Cell a appartenu à plusieurs collectifs et ne prêche pas pour une scène particulière, son style se déploie un très large répertoire qui rend ses sets très dynamiques et imprévisibles et lui permet de jouer avec de nombreux artistes.

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ENSEMBLE 005 - KMRU

Tue, 13 Jul 2021 19:10:00 +0000

Présentation du podcast par l’artiste:

« Au sein du spectre sonore complexe de nos environnements et de ce qui nous entoure, les sons sont toujours immersifs, proches, et poussent constamment nos corps. Le flux temporel des sons de notre habitus et de nos vies quotidiennes passent le plus souvent inaperçus et sont ignorés. Ma pratique de l’enregistrement sur le terrain (field recording) et mon engagement dans l’environnement m’ont permis de prendre conscience de mon entourage et des sons qui inhibent ce territoire – en apprenant d’eux et en utilisant l’environnement comme un instrument.Il existe un monde souterrain riche en sons, et ces ambiances sonores ne nous sont pas accessibles. Resonant Links étudie cette double infrastructure sonore de la vie urbaine et de la vie marine en accentuant les perspectives et les dimensions auditives de ces deux mondes, posant des questions critiques sur nos habitudes et nos écologies sonores. »

Présentation de l’artiste :

Né à Nairobi et actuellement basé à Berlin, KMRU est un artiste sonore et un producteur qui nourrit sa musique de field recording*, d’improvisation, de bruit, de machine learning*, d’art radiophonique et de drones. À la frontière entre l’ambient et les musiques africaines, KMRU explore les sonorités et réveille d’intenses émotions pour celui qui l’écoute. Sa musique a été félicitée par NPR, Pitchfork, Resident Advisor, DJ Mag & Bandcamp. En 2020, il a sorti trois albums qui ont montré la profondeur et l’étendue de ses compositions : Peel, un LP de drones hypnotiques sur le label avant-gardiste Editions Mego ; Opaquer, une sculpture sonore vive et onirique ; et Jar, une cassette qui entrelace la chaleur de l’analogue aux sons trouvés. Ces albums, mais aussi ses apparitions sur des compilations et albums auto édités, ont fait tourner les têtes dans le monde entier.

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